Ghost in the Shell (2017) – Kritik

June 10, 2017 at 7:49 pm

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Ghost in the Shell, Regie: Rupert Sanders, 107min, USA

 

Kurz:

In naher Zukunft wird das Hirn einer Polizistin in einen künstlichen Körper verpflanzt. Als Super-Cop jagt sie nun einen Cyberterroristen, der die Hersteller ihrer Roboterhülle nach und nach zur Strecke bringt. Warum will jemand die Technologie aufhalten und warum werden die Ermittlungen von den vermeintlichen Opfern behindert?

Ein Manga wird real verfilmt und löst Kontroverse aus, weil Scarlett Johansson keine echte Asiatin ist. Dabei rettet sie den Film mehr als einmal, während dieser sein Potential zu Gunsten hübscher Bilder und cooler Effekte verpuffen lässt.

 

Lang (Spoiler):

Um es vorweg zu nehmen; der Grund warum eine Amerikanerin die Hauptrolle in Ghost in the Shell ausfüllen kann, wird am Ende des Films so beiläufig erklärt, dass man sich wünscht, er würde mehr als 107 Minuten lang sein. Schließlich wird das Hirn einer jungen Asiatin in einen Roboter-Körper verpflanzt. Und der kann eben auch aussehen wie Scarlett Johansson (zumal die Hersteller der Roboter wohl auch aus dem Westen kommen).

Wie schon in seiner Vorlage spielt er der Film auf fundamentale Themen an, die Menschlichkeit, Technologie und die Kombination aus beidem beinhalten. Leider schafft es Regisseur Rupert Sanders aber nicht, diese Themen zu einem kohärenten Ganzen zusammenzufügen. So fragt man sich beim Zusehen, wo man eigentlich hingucken soll. Nicht mit den Augen, sondern mit dem Kopf. Was sollen all die schönen Bilder, wenn sie mich nicht ansprechen?

Im Kern geht es nämlich um so viele kleine Details, dass es sogar schwer fällt, Ghost in the Shell in eine bestimmte Kategorie zu tun. Ist es ein Sci-Fi-Film? Oberflächlich schon. Er spielt in der Zukunft und watet mit imposanten (wenn auch nicht immer überzeugenden) Computereffekten auf. Ist es ein Actionfilm? Ja, es wird schließlich geballert und gekämpft als gelte es die Gewerkschaft der Stuntleute zu retten. Ist es ein Drama? Nur in Ansätzen. Eine Detektivgeschichte? Ja, auch. Ein Polizeithriller? Bestimmt. Von allem ein bisschen, aber nie ein Ganzes. Ein guter Film lässt mich hoffen, dass da noch mehr kommen KANN. Ein schlechter Film lässt mich kalt, weil da noch mehr kommen MUSS.

Es ist vielleicht unfair, einen direkten Vergleich zu ziehen, aber dennoch muss man Ridley Scotts Blade Runner ansprechen. Einen Film, der quasi mit all den gleichen Themen wie Ghost in the Shell spielt und dabei alle Sinne befriedigt. Rein visuell steht der neue Film dem Klassiker in nichts nach, obwohl die Digitalisierung der Effekte mir persönlich immer noch nicht gefällt. Blade Runners Miniaturen und seine Set-Erweiterungen wirken zeitlos gegenüber den animierten Robotern, Vehikeln und Stadtlandschaften von Ghost in the Shell.

Die Musik von Vangelis war ein Meilenstein des elektronischen Soundtracks und auch Clint Mansel und Lorne Balfes Zusammenarbeit ist ein Erfolg, der an Daft Punks Tron:Legacy erinnert. Leider sieht es das Studio nicht so und hat statt eines echten Soundtracks nur eine Compilation mit Songs veröffentlicht. Dieses billige Marketing Tool war schon immer ein Beschiss am Kunden und zeugt auch heute noch von der Respektlosigkeit gegenüber den Komponisten und des Musikliebhabers.

Beide Filme sind eigentlich eine Detektivgeschichte. Blade Runner schickt dabei seinen Protagonisten auf die Suche nach verrückten Robotern, wobei immer die Frage bleibt, ob er nicht selbst einer von ihnen ist. In Ghost in the Shell steckt ein menschliches Hirn in einem Roboter. Die Protagonistin Major sucht nach einem Killer, der sich als ihr Vorgängermodell herausstellt. In beiden Filmen suchen die Hauptfiguren also nach sich selbst. Aber wo es der Klassiker schafft, subtil an der eigenen Menschlichkeit zu zweifeln, haut der neue Film mit dem Holzhammer drauf, lässt das Thema aber irgendwie doch nur als Nebensächlichkeit dahinplätschern. Während in Blade Runner die Leute Schiss haben, vor den künstlichen Menschen (zu Recht?), scheint die Erweiterung, also das Aufrüsten der Marke Mensch, Hauptantrieb der Welt von Ghost in the Shell zu sein. Nur wird nie klar, warum man das denn wollen würde. Majors Kollege Batou (ebenfalls kein Asiate) wird bei einem Einsatz verletzt und lässt sich seine beschädigten Augen durch künstliche Linsen ersetzen. Er scheint damit recht glücklich, was vielleicht ein Gegenbeispiel zum Major sein soll. Ist er damit die Ausnahme oder die Regel? Lohnt es sich also nur, zum halben Roboter zu werden, wenn es die Krankenkasse übernimmt? Sind die Operationen gefährlich? Sollen die Ersatzteile auf den menschlichen Wunsch nach Perfektion, Unsterblichkeit oder Bewusstseinserweiterung anspielen? Wir erfahren es nie.

Und was bedeutet Menschsein? Diese Frage wird nur auf Major abgewälzt, weil ihre Umwelt sie nicht beantwortet. Im Hongkong oder Tokio dieses Films (die Stadt wird nie vorgestellt) wollen also alle Menschen zu halben Robotern werden, ohne zu wissen warum. Major ist das einzige Geschöpf, das diesem Wunsch nahe kommt und sie hat offenbar große Probleme mit dieser Rolle. Auch hier wählt Blade Runner die interessantere Sichtweise, wenn der Protagonist ähnlichen Fragen ausgesetzt wird, diese aber durch sein Gegenüber reflektieren muss: Der Erfinder der Maschinen wird von seiner eigenen Schöpfung ermordet. Dem Killer-Roboter steht der Unschulds-Roboter gegenüber, in den sich der Protagonist auch noch verliebt. Am Ende des Films philosophiert selbst der Mörder über den Sinn des Lebens und berührt uns mit seiner Menschlichkeit.

Wenn also die „wichtigen Fragen der Menschheit“ in Ghost in the Shell nicht beantwortet werden, bleibt wenigstens gute Unterhaltung?

Wer Geballer mag, kommt auf seine Kosten. Major und ihre Truppe schießen sich wild durch den Plot und tun dabei so, als wäre das Detektivarbeit. Tatsächlich scheint die Jagd nach Spuren zufällig abzulaufen. Jedes Mal wenn es keine Hinweise auf den Verbleib des Cyberterroristen gibt, verübt dieser einen Anschlag. So kommen Major und ihre (unwichtige) Truppe Stück für Stück, Set für Set, Schießerei für Schießerei weiter.

Enttäuschend ist die Auflösung dann trotzdem. Nicht nur, dass der Cyberterrorist ein Vorgängermodell von Major ist, nein in ihrem vorigen Leben kannten sich die beiden schon. Sie waren Ausreißer, die von der bösen, bösen Roboter-Firma eingefangen und gegen ihren Willen für Experimente missbraucht wurden.

Daraus entstehen zwei Probleme; erstens das Klischee der skrupellosen Tech-Riesen und zweitens das Ignorieren der Vorgeschichte Majors. Der Tech-Riese als Antagonist ist so alt wie das Industriezeitalter selbst und damit ziemlich uninteressant. Und um Majors Leben etwas Tiefe zu verleihen, wird ihre Mutter spät in den Film gezogen und soll so emotionales Gewicht verleihen. Aber das Wiedersehen zwischen Mutter und Tochter wirkt völlig belanglos, quasi nicht zu Ende erzählt. Also wissen wir so gut wie nichts über die Teenagerin, die später zu Major wurde. Schlimmer noch, es interessiert uns gar nicht.

Noch kurz zum allgemeinen Gefühl. Irgendwie scheint der Film total veraltet, was natürlich auch an seiner Quelle liegt. Das Manga ist von 1989. Zum Ende der Achtziger war Cyberpunk noch frisch, waren Ausreißer noch ein Thema (Wir Kinder vom Bahnhof Zoo) und die Übernahme der Welt durch Maschinen und Computerprogramme eine Bedrohung. Heutzutage geben wir unser ganzes Leben auf Facebook preis und spielen mit Drohnen Überwachungsstaat. Die Ästhetik der Bilder ist stark vom Manga bzw. Anime inspiriert, die Musik eine Hommage an Elektrosynth. Alles fühlt sich an, wie schon mal da gewesen und kann leider nicht durch spannende Handlung aufgewertet werden. Die Chance, die Fragen und Ängste der heutigen Zeit zu reflektieren, wurde so leider vertan.

Hollywood kann vielleicht nie tiefgründige Science Fiction produzieren. Man soll ja auch nicht unbedingt philosophierend aus dem Kinosaal kommen und sein Leben überdenken. Aber The Matrix, Interstellar, Ex Machina oder Arrival haben bewiesen, dass moderne Sci-Fi-Filme durchaus Unterhaltung und Tiefe miteinander verbinden können. Ghost in the Shell hat all die richtigen Ansätze und traut sich dennoch nicht, einen einzigen davon auszuformulieren. Somit bleibt einem die Kontroverse ums Casting mehr im Gedächtnis als der eigentliche Film.

King Arthur: Legend of the Sword (2017) – Kritik

May 31, 2017 at 4:00 pm

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King Arthur: Legend of the Sword, Regie: Guy Richie, 126min, USA, UK, Australien

Guy Richie macht nen Abenteuerfilm! Es rumst und kracht und wird so schnell geschnitten als wären wir inmitten eines Musikvideos. Dazu gibt es wirklich epische Bilder und einem antreibenden Soundtrack. Ein bisschen fühlt man sich wie beim Lord of the Rings auf Drogen, aber nur ein bisschen, denn schließlich wird hier noch immer die Artus-Legende erzählt.
Offiziell ist der Film schon in den USA gefloppt, was auch an den schlechten Vorabkritiken gelegen haben mag (und daran, dass er sich gegen Guardians of the Galaxy Vol.2 behaupten musste). Verstehen kann man das kaum, denn King Artur bietet beste Unterhaltung und ist den Gang ins Kino absolut wert.
Die klassische Sage um Arthur, den Sohn des Britenkönigs Uther Pendragon wird nur in Teilen angerissen. So gibt es die „Mage“, ein Volk von Zauberern, das über die Abwesenheit von Merlin hinweghelfen soll und gleich zu Beginn der Geschichte das Reich mit großer Armee und einer Horde Riesenelefanten (!) angreift. Gelenkt wird der Angriff allerdings von Uthers intrigantem Bruder Vortigern, der zum Mörder des Königspaares wird, aber dessen Erben nicht fassen kann. So wächst Arthur in einem Hurenhaus auf, ohne seine wahre Herkunft zu kennen. Bis zu dem Tag da er Excalibur – das magische Schwert – aus einem Felsen zieht und so zur Bedrohung Vortigerns wird. Eine Prophezeiung sagt das Ende des grausamen Königs voraus, so dass dieser für den Rest des Films versucht, Arthurs Schicksal frühzeitig zu beenden. Der wiederum wehrt sich beharrlich dagegen, seinen Onkel vom Thron zu stürzen und zum Anführer der Briten zu werden.
Durchweg großartiges Casting rundet ein sympathisches Ensemble ab. Charlie Hunnam spielt Arthur mit viel Sympathie und Stärke, seine Bande aus Rebellen wird mit Djimon Hounsou, Aiden Gillen, Tom Wu und Astrid Bergès-Frisbey sympathisch belebt. Jude Law lebt als schleimiger Bösewicht auf wie selten in den letzten Jahren. Überraschend der Auftritt von Eric Bana als Uther, der gleich zu Beginn des Films das Ideal verkörpert, an welches Arthur nicht rankommen will. Sie alle gehen in ihren Rollen so gut auf wie es ihre Zeit auf der Leinwand zulässt. So wie die Nebenrollen an zu wenig Zeit leiden, sind die beiden Hauptakteure zwar öfter zu sehen, aber nicht unbedingt weiter ausgearbeitet.
Der „Reluctant Hero“ – also der Held, der keiner sein will, bis es nicht mehr anders geht und der „Evil Villain“ – also der Böse, der so böse ist, das es nur so böst, sind nur zwei Beispiele der archetypischen Charaktere, die den Film aus seinem perfekten Setting reißen und dann doch in gewohnte Bahnen bringen. Das ist schade, denn Richie tut alles was geht, um dem Zuschauer ein packendes, kurzweiliges und vor allem modernes Abenteuer zu bieten. Die Musik von Daniel Pemberton rockt wie wild. Die Effekte schwanken zwischen realistischer Animation und Computerspiel, aber immer so, dass man nicht rausgerissen wird. Die 3D-Wandlung macht wirklich Spaß im Kino (endlich mal wieder ein Film, wo Pfeile und Schwerter vor der Nase tanzen). Sowieso ist die gesamte Welt aus realistischen Landschaftsaufnahmen, gewaltigen Sets mit digitalen Erweiterungen, authentischen aber verspielten Kostümen und lockerem Dialog ein gelungenes Update der typischen Ritterfantasien. Wo der Herr der Ringe zwischen traditionellem Epos und langweiligem Märchen schwankte, schafft es King Arthur seiner Linie treu zu bleiben und sich als rotzige Britensaga mit Rollenspielpotential zu behaupten.
Dass der Markt für so einen Film in den letzten Jahren von Game of Thrones übernommen wurde, scheint dem Kinogänger nicht entgangen zu sein. Trotzdem würde ich jedem empfehlen, den Film auf der großen Leinwand und in 3D zu sehen.

King Kong: Skull Island (2017) – Kritik

May 27, 2017 at 12:48 am

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Kong: Skull Island, Regie: Jordan Vogt-Roberts, 118min, USA

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Heureka, der Monster-Film ist zurück! Woran „Pacific Rim“ und „Godzilla“ noch scheiterten, nämlich unterhaltsames Kino zu machen, schafft es Kong: Skull Island nicht nur mit fantastischen Effekten aufzuwarten, sondern auch mit Charakteren, um die man gerne bangt und einer simplen, aber dafür spannenden Handlung zu punkten. Mittendrin ist John C. Riley als „Comic Relief“, der im Trailer noch irgendwie deplatziert wirkte, sich im Film aber als dessen emotionaler Kern herausspielt. Regisseur Jordan Vogt-Roberts schafft es tatsächlich, die richtige Balance aus Horrorfilm und leichter Unterhaltung zu finden, seine Monster sind gruselig, seine Helden sympathisch und sein Kong monumental.

Dabei geizt er nicht mit prallen Farben und spektakulären Computereffekten ohne wie ein Videospiel zu wirken. Glaubhaft ist das alles natürlich trotzdem nicht – aber die einfache Handlung, gepaart mit coolen Viechern, Blut und Schweiß lässt kaum Langweile aufkommen. Das Setting ist ebenso clever (70er Jahre Vietnam-Krieg) wie sein Casting. Samuel Jackson als menschlicher Antagonist, Brie Larson als ‚die weiße Frau’ und Tom Hiddleston als vorsichtiger Abenteurer spielen ihre Archetypen gekonnt und werden dabei von einem tollen Ensemble an Nebendarstellern unterstützt.

Ich habe Peter Jackson’s 2005 Filmversion sehr gemocht. Da war viel Emotion drin, King Kong war ein verknallter Riesengorilla, der tragisch endete. Eine wunderschöne Hommage an das Original von 1933. Der Schwarz-Weiß-Klassiker steht dann auch zu Recht noch in allen Geschichtsbüchern der Special Effects und ist auch über 80 Jahre später noch nicht veraltet. Die Version von 1976 kann man aus Neugier mal sehen, aber ebenso schnell auch wieder vergessen.

Anders dieser neueste Eintrag in die Affen-Geschichte. King Kong: Skull Island wirkt wie das Herzensprojekt einer Crew, die einfach mal ein schönes Monsterspektakel machen wollte. Dass dabei der König der Insel nicht mehr ganz so ausgearbeitet ist, wie Dabei Action, Horror, Spaß und Unterhaltung so gut zu balancieren, verdient Respekt im heutigen, schnelllebigen Hollywood. Bitte mehr davon.

Ins Kino dafür? Unbedingt!

 

Mad Max: Fury Road (2015) – Kritik

May 21, 2015 at 4:47 pm

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Mad Max: Fury Road, Regie: George Miller, 120min, Australien/USA

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Kurz:
Brumm!! Roar!!! Bäng!!! Geil, geil, geil!!! Ein bahnbrechendes Action-Spektakel. Visuell grandios in Szene gesetzte Stunts machen diese apokalyptische, fast zweistündige Verfolgungsjagd zu einem absoluten Kino-Besuch-Muss. Ein Film der für die große Leinwand gemacht wurde.

Lang (Spoiler):
Die Handlung dieser losen Fortsetzung der MadMax-Filme ist schnell erzählt. In der Zukunft ist die Erde zu einer trostlosen Wüste geworden, in der sich Gangs um den letzten Tropfen Benzin und das arme Fußvolk um ein paar Tropfen Wasser kloppen. Beides wird von Immortan Joe (Hugh Keays Byrne) bereitgestellt, der offenbar eine Art König in dieser verschrobenen Welt aus Schrott und Gewalt ist. Doch als seine Soldatin Furiosa (Charlize Theron) seine (schwangeren) Ehefrauen entführt, setzt er sich und seine Armee daran, die längste und spektakulärste Verfolgungsjagd überhaupt ins Rollen zu bringen. Mittendrin Max (Tom Hardy), der Außenseiter, der zu Hilfe kommt, obwohl er gar nicht will.
Trotz – oder gerade wegen – dieser simplen Handlung entfaltet der Film eine grandiose Geschichte, ein visuelles Erzählkino, das auf Grund der vielen echten Stunts und In-Camera-Shots frischer und moderner wirkt als so manche computergesteuerte Comic-Verfilmung. Man ist einfach mitten drin im Geschehen. Das liegt auch an George Millers überragender Regie. Wie er aus diesem rasenden Zirkus ein einheitliches Ganzes strickt ist schon erstaunlich. Nie verliert der Zuschauer die Übersicht. Nie muss man sich fragen, wo man denn hinschauen soll, um nichts zu verpassen. Dabei wirken der Schnitt und die Kamera zu keinem Zeitpunkt altbacken, oder dem Alter des Regisseurs „angemessen“. Dem 70-jährigen Miller gelingt tatsächlich etwas, woran fast alle Franchises der 80er gescheitert sind: eine quasi-Neuauflage der alten Idee in neuem Glanz.
Was haben sie uns nicht alles kaputtgemacht: Star Wars, Indiana Jones, Die Hard, Alien, Predator, Terminator… eigentlich sind alle neuen Versionen gescheitert. Nicht so Mad Max! Miller nimmt die besten Teile der ursprünglichen Serie und multipliziert sie mit zehn. Die Fahrzeuge sind irre Frankenstein-Monster mit noch mehr Power als zuvor. Die Stunts sind so unglaublich, dass man denkt, der Cirque du Soleil hätte eine Überdosis Drogen genommen. Die Landschaften sind nicht nur öde Dünen, sondern verzaubernde Wüstenskulpturen. Die Bilder sind farbenfroh in leuchtendem Orange und Blau gehalten. Die Musik (komponiert von Junkie XL) gleicht einem Besuch im Hardcore-Techno-Club und kann mit ihrem ständigen Getrommel die rastlose Atmosphäre einer andauernden Verfolgungsjagd anheizen.
Der Trailer des Films war ja mein Liebling des letzten Jahres. Darin wird Miller großkotzig als „Mastermind“ bezeichnet. Was normalerweise eine maßlose Übertreibung der Marketingabteilung ist, muss in diesem Falle als nur all zu passend beschrieben werden. Man spürt quasi in jeder Minute den Meister aller Klassen. Schon jetzt überschlagen sich Filmkritiker mit Lob für das logistische Geschick, die visuelle Erzählweise, oder einfach das runde Gesamtpaket, das da abgeliefert wird. War die ursprüngliche Trilogie eine Grundlage für unzählige Kopien (u.a. das bekannteste Musikvideo von Tupac) und Inspiration für jede-Stuntshow-ever, wird Mad Max: Fury Road wieder einmal Maßstäbe setzen. Das Action-Genre bekommt den Spiegel vorgesetzt und seine Reflektion schreit „So macht man das!“ Michael Bay würde sich in Depressionen stürzen, weil mit jeder Minute Fury Road seine eigene Unzulänglichkeit als Bum-Bum-Explosions-Regisseur ersichtlich wird – wenn Michael Bay denn zu irgendeiner Art Selbstreflexion fähig wäre. Ach ja, sämtliche Stuntshow-Planer in der Welt atmen auf, weil sie sich kein neues Konzept ausdenken müssen, sondern die alten Schrottkarren und Lederklamotten wieder rausholen dürfen. Denn wer will so ein Spektakel nicht live erleben?
Bis man aber mal wieder von einer heißen Explosionswelle erfasst wird, die einem in der benzinstinkenden Arena der Universal-Studios (oder Babelsberg) entgegenschlägt, kann man aber getrost noch zwei bis drei Mal ins Kino gehen, weil sich auch ein wiederholter Besuch immer lohnt. Das erste Mal ist man von der schieren Verrücktheit des Films erfasst, beim nächsten Mal kann man sich etwas mehr auf die Handlung konzentrieren, die doch nicht so simpel ist, wie so manch ein Kunst-Kino-Kritiker befürchtet und vor allem durch das grandiose „word building“ gewinnt. Da kommen dann plötzlich die feministischen Züge des Films durch, und die Details der vorgelebten Gesellschaft, die Immortan Joe erschaffen hat und die sich gar nicht so sehr von unserer eigenen unterscheidet.
Miller hat schon weitere Filme angekündigt. Hoffen wir, dass er die Qualität dieses Meisterwerkes halten kann. Es wäre ein Gewinn für Zuschauer und Filmemacher zugleich.

Furious 7 (2015) – Trailer

November 2, 2014 at 12:17 am

Ha, so ein herrlicher Schrott. Das ist ein fantastischer Trailer für den inzwischen 7. Teil der Auto-Stuss-Saga. Dass die Fahrer schnell sind, wissen wir ja inzwischen, daher nur noch der furiose Titel?

Deutschlandstart: 02.April 2015

 

John Wick (2014) – Trailer

September 19, 2014 at 4:31 pm

Keanu Reeves macht einen auf Nicolas Cage in diesem total überzogenen, aber auch unterhaltsam aussehenden Action-Streifen.

Deutschlandstart: 22.01.2015

Die Doofen Drei

June 22, 2014 at 10:25 pm

Drei Filme, die zum Teil noch im Kino laufen – das aber eigentlich nicht verdient haben!

 

Transcendence (Regie: Wally Pfister)

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Johnny Depp scheint seit ein paar Jahren keine Lust mehr zu haben und kein Film zeigt das so gut wie „Transcendence“. Hier muss er nur ein paar Minuten lang vor der Kamera stehen, sterben und als eine Computersimulation wiederauferstehen.
Was in der Theorie nach einem coolen Sci-Fi-Film klingt, wird durch ein lahmes (und löcheriges) Script und Wally Pfisters schön-aussehende, aber uninspirierte Regie zu einem lächerlichen Schnarchfest. Rebecca Hall und Morgan Freeman können da auch nix retten.

Bessere Filme dieser Art:
Colossus: The Forbin Project (1970)
Phase IV (1974)
Westworld (1973)

 

A Million Ways to Die in The West (Regie: Seth MacFarlane)

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Schon der Vorspann dieser Komödie ist nur eine langweilige Aneinanderreihung von tausendmal gesehenen Landschaftsaufnahmen, ohne erzählerische Funktion und leitet damit eine innovationsfreie Handlung ein, die nie Gefahr läuft, dem Zuschauer irgendwelche Überraschungen vorsetzen zu müssen. Regisseur McFarlane spielt die Hauptrolle des Wild-West-Losers gleich selbst und begeht damit einen von vielen Fehlern, die den Film zu einem unausgereiften Mischmasch verkommen lassen. Comedy und Western zu mixen ist ja keine schlechte Idee, aber fast alle Gags gab’s schon im Trailer und wenn eine Szene nicht lustig geschrieben ist, kann man da auch nicht mit Fäkalhumor drüber weg täuschen.

Bessere Filme dieser Art:
Back to The Future 3 (1989)
City Slickers (1991)
Rango (2011)

 

Sabotage (Regie: David Ayer)

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Arnold schafft einfach kein richtiges Comeback. Obwohl ihm hier ein paar gute Schauspieler zur Seite stehen (Sam Worthington, Terrence Howard, Olivia Williams!), täuscht das nicht über eine verworrene, unausgegorene Handlung hinweg. Die Idee, aus Drogenkämpfern fehlbare Helden zu machen, ist ehrenwert, wird durch ein Zehn-Kleine-Negerlein-Prinzip aber nicht besonders spannend inszeniert. Zumal die finale Auflösung irgendwie unbefriedigender wirkt, als die fragwürdige Entscheidung, den Film so schlecht zu filmen, dass er auf TV-Niveau sinkt.

Bessere Filme dieser Art:
Aliens (1986)
Predator (1987)
End of Watch (2012) – Vom selben Regisseur!